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jueves, 28 de abril de 2016

®Las vanguardias

En las primeras décadas del siglo XX se desarrollaron movimientos artísticos conocidos como vanguardias. La palabra, un término del ámbito militar, destacaba el carácter innovador, rebelde y provocador de las nuevas tendencias.
Los vanguardistas reaccionaron contra los valores, las producciones estéticas y la tradición literaria de la burguesía de la época.


Características generales

Entre las características comunes del arte y de la literatura de vanguardia sobresalen las siguientes:
  • Tendencia a la formación de grupos, a la declaración de sus principios en manifiestos y a la publicación de sus obras en revistas literarias.
  • Oposición a la tradición artística y cultural anterior y afán de realizar un cambio total.
  • Rechazo de la imitación de la realidad, la verosimilitud (antirrealismo), y proscripción, por tanto, de lo narrativo. La obra artística debía crear una nueva realidad, que tuviera valor por sí misma y no por semejanza.
  • Rechazo del sentimentalismo y la subjetividad en favor del vitalismo y el juego. El afán lúdico, el rechazo de la lógica, la expresión de la interioridad por medio de los sueños y lo inconsciente llevaron a los poetas vanguardistas a las asociaciones arbitrarias, irracionales.
  • Voluntad de renovación y experimentación poética, que se expresa en los siguientes rasgos: preferencia por las metáforas y las imágenes (asociaciones entre términos sin relación con lo real), que se acumulan en un poema; ausencia de rima, de enlaces sintácticos y de signos de puntuación; disposición tipográfica especial del poema en la página, en la búsqueda de efectos visuales y plásticos, y creación abundante de neologismos.
En cuanto a los valores principales, destaca el entusiasmo por el mundo moderno y la exaltación de la ciudad. A los artistas les fascinan los inventos de la sociedad moderna, las máquinas: el automóvil, el teléfono, el telégrafo, la cámara fotográfica, los tranvías, los aviones. El cine -uno de los grandes inventos del siglo- influirá en la obra de los vanguardistas y del grupo del 27.
La cuidad moderna ofrece novedades arquitectónicas, en especial, el rascacielos y los ascensores; también las luces, las estaciones, las muchedumbres que se mueven a un ritmo frenético, las fábricas, los puentes. Madrid y Barcelona se convierten en ciudades cosmopolitas, se crean grandes hoteles. Esta  fascinación inicial se matizará posteriormente con una visión negativa del desarrollo del capitalismo, como en "Metrópolis" (1927), la película del director austriaco Fritz Lang.
Los vanguardistas tienen también predicción por los juegos, los deportes y las nuevas diversiones: el tenis, el rugby, la natación, el fútbol, el cabaret, el jazz, el musical hall.



Bibliografía


  • Apuntes de clase




®LA METAMORFOSIS EN EL CINE


1. PREVRASHCHENIE

Por tratarse de una obra breve, la mayor parte de esas adaptaciones se han realizado en formato de mediometraje, destaca Prevrashchenie metamorfosis, en ruso, una película con guión y dirección de Valerie Fokin.

La película se construye como metáfora de la exclusión del individuo del resto de la sociedad, utilizando los diferentes elementos narrativos para crear la imagen de aislamiento autodestructivo .

El peso narrativo recae en la composición escénica, realizada como si se tratase de una obra donde es impecable el trabajo del protagonista principal, al que ira adoptando extrañas y retorcidas posturas, a la vez que repta por el suelo para conseguir comida, emite diversos sonidos y agita las patitas y las manos tumbado boca arriba. Las reflexiones de Samsa se representan por medio de visiones oníricas del subconsciente y para distinguirlas del hilo argumental se utiliza un filtro lechoso, que le da el tono surrealista en concordancia con el espíritu de la historia.

La película se estrenó en 2002 y no se ha comercializado en España, en DVD, aunque en internet se puede conseguir en la  versión original.


                       


    
2. LA METAMORFÓSIS

La metamorfosis, dirigida por el sueco Ivo Dvorák, en el año 1976  tuvo a uno de los actores estrella de la Suecia de entonces, Peter Schildt, en el papel de Samsa, ademas de incorporar otros más consolidados en el mundo del teatro como Ernst Günther y Gunn Wållgren en el papel de padre y madre respectivamente, actores estos que en 1982 volvería a rescatar Ingmar Bergman para Fanny y Alexander. Förvandlingen –Transformación, en sueco- parte de una escenografía teatral, como imitaría décadas después Prevrashchenie. El protagonista tampoco se transforma, sino que actúa adoptando el papel de insecto gigante que el espectador ha de imaginar, ya que ha de hacerse a la idea a base de mímica gestual acompañada de extrañas onomatopeyas insectiles realizadas con más o menos acierto.


3. THE METAMORPHOSIS OF Mr. SAMSA 

En 1977, la animadora estadounidense Caroline Leaf crea un corto de 6 minutos titulado The metamorphosis of Mr. Samsa. Un trabajo muy interesante, cuya técnica consiste en utilizar arena de playa sobre una placa de vidrio con fondo de luz para crear el movimiento de los personajes. Unos años más tarde, Leaf idearía otra técnica de animación sobre cristal a base de mezclar pintura con glicerina, pero esto sucedía una vez fichada por la National Film Board of Canada. La NFBD ha jugado en la última parte del siglo pasado un importante papel a la hora impulsar nuevas técnicas cinematográficas en el terreno de la animación, motivando, ensalzando y subvencionando la innovación a voluntad de los creadores que consideraba válidos, sin demasiadas restricciones formales y presupuestarias. Aquí se puede ver el cortometraje completo.




4. LA METAMORPHOSE Y FRANZ & KAFKA

En los años 80, dos son los trabajos cortos que se ruedan sobre esta obra de Kafka. El primero, en 1983, del director de televisión francés Jean-Daniel Verhaeghe, quien también se encarga de la adaptación del guión. Bajo el título La Mètamorphose, Verhaeghe trata de recuperar las formas que Nemec innovó en 1975 y tampoco muestra a Samsa, aunque se puede oír su voz emitiendo los extraños fonemas insectiles una vez transformado. Un tele film que no obtuvo resonancia más allá de los márgenes televisivos de su país.

En una línea argumental similar, Matthew Saville, desde Australia, también se atreve en 1997 con Franz & Kafka, otra versión un tanto libre de solo 6 minutos. En este caso la controversia gira en torno a un talentoso escritor al que llama Ernst Franz, esforzado en la redacción de su primer relato. Al otro lado el también talentoso, aunque egoísta, Franz Kafka, retratado como una especie de alter ego de Ernst, quedando en el aire la idea de que La metamorfosis pudiera haber sido escrita en realidad por dos personas.


5. METAMORPHOSIS

Metamorphosis: Gregor Samsa’s Nightmare, de 2006, es el último título conocido, a saber, que guarda cierta fidelidad con el relato original del escritor checo, aunque se podría decir que se sitúa en el punto de inflexión entre la adaptación y la referencia. El autor de este cortometraje, de algo menos de diez minutos, es el animador húngaro Peter Orban, fue su primer trabajo y lo preparó para graduarse en la Academia Húngara de Bellas Artes. Orban trata de dar una explicación de porqué Samsa se despierta una buena mañana convertido en un enorme insecto. Toma como punto de partida el relato de Kafka para añadir la idea de la fusión genética, y el resultado es una historia a medio camino entre La Metamorfosis y La Mosca. La animación utiliza tonos oscuros y dibujos con influencia gótica. La verdad es que La Mosca, de George Langelaan, tiene una deuda importante con La Metamorfosis deFranz Kafka.


BIBLIOGRAFÍA:

miércoles, 27 de abril de 2016

®Las vanguardias europeas

En el periodo que nos ocupa (1909-1929) surgieron en Europa numerosos movimientos de vanguardia -también denominados ismos-.

El futurismo


En 1909 se publicó el "Manifiesto"  de esta tendencia, dirigida por Filippo y Marinetti. El futurismo se declara antirromántico, militarista, patriótico, y rechaza la influencia de la herencia del pasado. Admira el riesgo, la rebeldía, la violencia, la agresividad artística, la velocidad, la belleza de los nuevos avances de la modernidad: las ciudades, las máquinas, la industria.



El cubismo

Nace como una manifestación de las artes plásticas (en 1907, con "Las señoritas de avignon" de Pablo Picasso), que rompe con la noción tradicional de perspectiva, yuxtapone planos, puntos de vista, y representa las figuras con formas geométricas.
En literatura destacó la creación del poeta Guillaume Apollinaire, que en sus obras "Alcools" (1913) y "Caligramas" (1918) incorporó la superposición de imágenes, sin desarrollo argumental, la técnica del collage y la invención de poemas que conforman un dibujo (el lenguaje y las imágenes no siempre coinciden en el contenido expresado.

El dadaísmo

Surgió en 1916, encabezado por Tristan Tzara (el nombre del movimiento proviene de una palabra extraída al azar de un diccionario). Su primer manifiesto, en 1918, expone su carácter provocador y su nihilismo: negación total del arte y la cultura anterior, abolición de la lógica y de la memoria. Reivindican la libertad, la independencia, el humor, la irracionalidad y el absurdo.




El surrealismo

El surrealismo propuso una nueva manera de concebir el mundo y constituyó una verdadera revolución espiritual. +En el "Primer manifiesto surrealista (1924), André Breton, jefe espiritual del movimiento, expuso sus principios: incorporar a la creación el <<funcionamiento real del pensamiento>>, el mundo del subconsciente, que se expresa en los sueños, mediante la escritura automática, es decir, lograr que aflore el mundo interior <<sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética y moral>>. El surrealismo se basó en principio en las obras de Freud, creador del psicoanálisis, por sus investigaciones sobre el inconsciente. 
Los creadores más relevantes del primer momento son Louis Aragon, Paul Éluard, Robert Desnos, Philippe Soupault. Posteriormente, los surrealistas, para quienes la libertad es el bien supremo, manifiestan, influidos por el marxismo, su preocupación política por la liberación social del ser humano.
La influencia del surrealismo se extendió a las artes plásticas y al cine, y se expandió por Europa y por Hispanoamérica. 


Bibliografía

  • Apuntes de clase

®Pedro Salinas (Ampliación)

Evolución poética


(Madrid, 1891 - Boston, 1951) Poeta español, miembro de la Generación del 27, en la que destacó como poeta del amor. Profundo intelectual y humanista, Salinas estudió las carreras de derecho y de filosofía y letras. Fue lector de español en la Universidad de París entre 1914 y 1917, año en que se doctoró en letras.


Primeras obras: Su etapa inicial incluye "Presagios" (1923), "Seguro azar" (1929) y "Fábula y signo" (1931). En estas obras, influidas por las vanguardias, aparecen el mundo moderno (los inventos recientes, el cine) y el humor. El yo poético dialoga con los objetos que tienen una presencia relevante, y aparecen los temas más importantes de su obra posterior: la búsqueda e lo permanente y profundo, y el amor.
La poesía amorosa: En la producción poética de Salinas, destaca, por su originalidad y calidad literaria, la poesía amorosa. Esta temática se encuentra en sus libros más admirados: "La voz a ti debida" (1933), "Razón de amor" (1936) y"Largo lamento" (entre 1936 y 1939).
en todos estos poemarios se expresa una experiencia amorosa, erótica y espiritual, en la que la amada es la figura central, vista desde la única perspectiva del yo poético. Se considera que los dos primeros señalan el comienzo y del vivir (y de la vida, que sin él no existía) y la celebración del sentimiento y del vivir, del deseo, de la unión física. "Largo lamento" incluye la separación, el abandono, el recuerdo de la unión rota.
La voz poética, cuya existencia es debida a su amado, lo mismo que el sentido de las palabras que nombran el mundo, busca el verdadero ser del tú, su realidad esencial. Por ello rechaza los rasgos externos que la identifiquen.
A pesar de la tendencia a la abstracción, hay referencias al mundo (natural y moderno) en el que se sitúa la relación de los amantes.
Los tres títulos aluden a la tradición anterior que los sustenta: la literatura renacentista ("La voz a ti devida" es un verso de la Égloga III, de Garcilaso de la Vega), la medieval ("Razón feita de amor") y el Romanticismo ("Largo lamento", de la Rima XV, de Bécquer).

La poesía del exilio

En la producción de esta época ("El contemplad" (1946); "Todo más claro" (1949); y "Confianza" (1955)) se revela un afán de trascendencia y una reflexión sobre los problemas de su época. El primero se centra en la contemplación del mar, el segundo contiene una crítica de la sociedad, y el último expresa, pese a todo la confianza en la vida.

Estilo y métrica

Destacan la sencillez, la sobriedad de los enunciados, generalmente cortos, y las estructuras nominales, a veces con acumulación de sustancias. En el diálogo constante con el tú, son frecuentes las preguntas y las exclamaciones.
Aunque no existen alardes retóricos, la metáfora y la imagen sirven para la búsqueda del sentido último del mundo.
En sus primeros libros son frecuentes los versos octosílabos y la asonancia; en los siguientes domina el verso libre, con predominio de metros heptasílabos y octosílabos.

Bibliografía


viernes, 22 de abril de 2016

®Luis Cernuda

(Sevilla, 1904 - Ciudad de México, 1963) Poeta español, una de las figuras fundamentales de la Generación del 27.Estudió derecho en su ciudad natal bajo la dirección de Pedro Salinas, de quien fue discípulo y quien orientó, asimismo, sus primeros pasos de poeta. De su inicial inclinación a la soledad y al nihilismo evolucionó hacia una actitud de íntima y acogedora espiritualidad. En diferentes momentos de su vida dio clases de español en la universidad de Toulouse, en Inglaterra y en Estados Unidos. 
Cernuda, que tras la contienda civil española conoció el exilio del que jamás volvió, emprendió, bajo la influencia directa de la poesía anglosajona, un período en el que su obra poética se hace autobiografía y reflexión. Residente en Gran Bretaña, Estados Unidos y, por último, México.

El título que reúne la poesía completa de Cernuda "La realidad y el deseo" (1936, ampliado en 1940, 1958 y 1965), enuncia las claves de su lírica: el enfrentamiento, la conciliación imposible entre el deseo ( de belleza, libertad, amor, felicidad, pureza) y la realidad (ámbito deseado e inaprensible, transformado en el espacio de la frustración la ausencia, la apariencia, el caos).

Evolución poética

La poesía de Cernuda se considera una especia de biografía espiritual, pues se nutre de reflexiones que parten de la reelaboración de experiencias personales.
Se han establecido etapas en su producción, si bien hay que destacar ciertos aspectos comunes: la tendencia a la introspección lírica (el análisis constante de sí mismo y de la realidad que lo rodea) y el desarrollo de los temas principales de su obra: el amor, la belleza de la naturaleza, la fugacidad del tiempo y el olvido, a los que el poeta opone el ansia de permanencia y trascendencia; el deseo, que la realidad frustra; el paraíso, la soledad.
Primera etapa: Corresponde a sus libros iniciales: "Perfil del aire (1927), en la estética de la poesía pura, menospreciado en su momento por la crítica, y "Égloga, elegía, oda" (1927-1928), que se relaciona con la lírica renacentista, y que constituyó, según el autor, <<ejercicios para su adiestramiento técnico>>.
Segunda etapa: Reúne a las obras de influencia surrealista y romántica: "Río, un amor" (1929), "Los placeres prohibidos" (1931), "Donde habite el olvido" (1934) e "Invocaciones a las gracias del mundo" (1934-1935).
Etapa del exilio: En este tercer período publicó "Las nubes" (1940), "Como quien espera el alba" (1947), "Vivir sin estar viviendo" (1949). Estas obras, en las que influye la lírica inglesa romántica, transmiten la nostalgia y la añoranza del exiliado, la angustia por el paso del tiempo, el recuerdo, la conciencia de la muerte y las reflexiones sobre la historia de España.

Estilo y métrica

La poesía de Luis Cernuda se caracteriza por una expresión sencilla y contenida (no abundan los recuerdos retóricos); en las obras surrealistas, las imágenes son más irracionales. En sus últimos libros hallamos un estilo cercano a la lengua hablada y la tendencia al prosaísmo.
Para la introspección lírica acude a la primera persona y también a la tercera, en un afán de objetivar la experiencia; en algunos poemas aparece la segunda persona, el desdoblamiento de sí mismo o la alusión a otro destinatario.
En cuanto a la métrica, en sus primeras obras predominan las formas clásicas y, en las surrealistas, el verso libre y el versículo. en sus últimos escritos, Cernuda prefiere los poemas largos, cercanos a la prosa.


Bibliografía


jueves, 21 de abril de 2016

®Poesía española en los años 40

En los cuarenta se registran en España distintas tendencias. Al inicio de la década, destacan la poesía neoclásica y la poesía heroica y política. Por otro lado, aparece una corriente existencialista, que se impondrá en la segunda mitad de la década, centrada en la situación y la angustia del ser humano. Hacia 1945, surge una poética vanguardista, que entronca con la lírica anterior.

Poesía neoclásica

En la década de 1940, las revistas tuvieron un importante papel en la difusión de las diversas literarias. Las más importantes de la corriente neoclásicas fueron "Escorial y Garcilaso", y entre sus autores cabe citar los siguientes:
  • Luis Rosales (1910-1993). Una parte considerable de su producción de posguerra estuvo marcada por la temática religiosa. Alcanzó su plenitud con "La casa encendida"(1949), obra escrita con un lenguaje coloquial, en el referente es la cotidianidad.


  • Leopoldo Panero (1909-1962). Su poesía se caracteriza por el intimismo y por la recurrencia a las ideas de familia, tierra, Dios y, especialmente, el paso del tiempo. En "Escrito a cada instante" (1949) se pueden observar la rehumanización y religiosidad características de su producción.
  • Luis Felipe Vivanco (1907-1975). en su obra, la naturaleza adquiere un valor trascendente que conduce a la experiencia religiosa. Además de la poesía religiosa, otros de sus temas habituales son la familia y la vida cotidiana, presentes en su poemario "Continuación a la vida" (1949).

  • Dionisio Ridruejo (1912- 1975). En sus inicios fue un fiel representante de la tendencia formalista y neoclásica, pero con "en la soledad del tiempo" (1944) evolucionó hacia una poesía intimista, cotidiana y familiar, en la que el tiempo y el paisaje adquieren valores simbólicos.

  • José García Nieto (1914-2001). Pasó de una etapa clasicista, de temática amorosa, a un intimismo noerromántico en "Del campo y soledad" (1946).


Poesía existencialista

A comienzos de los años cuarenta se publicaron textos de jóvenes poetas que rechazaban la estética neoclásica, algunos de los cuales se dieron a conocer en la revista Escorial.
En Santander surgió la revista Proel (1944) que, junto con la valcniana Corcel (1942), constitutyeron la avanzada neorromántica que adelantó el espíritu existencialista. En esa línea y con una evolución semejante, Eugenio de Nora, Victoriano Crémer y Antonio García de Lama fundaron Espadaña, revista que abordará una expresión existencialista de solidaridad humana.
en 1944 se publicaron dos obras fundamentales: "Hijos de la ira", de Dámaso Alonso, y "sombra del paraiso", de Vicente Aleixandre, que marcan una línea de poesía existencial.
  • "Hijo de la ira": según su autor, es un libro de disconformidad e indagación, "de protesta contra todo, universal, cósmica. Yo escribí "Hijos de la ria" lleno de asco ante la estéril injusticia del mundo y la total desilusión de ser hombre". En este poemario se emplea un lenguaje cotidiano y un léxico diverso, incluido el no poético; abundan las repeticiones (léxicas y morfosintatícas) y la acumulación de imágenes, expresión violencia. En la métrica, está presente el verso libre, con extensos versículos.
  • "Sombra del paraíso": este poemario muestra el descontento ante el destino humano, desde un presente en el que se añora el paraíso perdido.
La poesía existencialista se centra en el sufrimiento del ser humano; desde una experiencia histórica terrible de muerte y destrucción, los poetas expresan su dolor existencial, su soledad e indefensión. Así los temas son la búsqueda dolorosa de Dios o su silencio, las crisis religiosas, la angustia pro la muerte inexorable. Muchos autores evolucionarán luego hacia la poesía social.

Bibliografía


  • Apuntes de clases



viernes, 15 de abril de 2016

®Las horas (ampliación de Virginia Woolf)

Las horas es una novela escrita por Michael Cunningham, que ganó en 1999 el Premio Pulitzer de ficción.
El libro trata con mujeres de tres generaciones afectadas por una novela de Virginia Woolf:
  • La primera es la misma Woolf escribiendo La señora Dalloway en 1923 y luchando con su propia enfermedad mental. 
  • La segunda es la Señora Brown, esposa de un veterano de la Segunda Guerra Mundial, quien está leyendo La Señora Dalloway en 1949 mientras planea la fiesta de cumpleaños de su esposo. 
  • La tercera es Clarissa Vaughn, una mujer lesbiana, que planea una fiesta en el 2001 para celebrar un importante premio literario recibido por su bien amigo y ex-amante, el poeta Richard, quien está muriendo de sida.

La adaptación cinematográfica se lanzó en el año 2002 y fue dirigida por Stephen Daldry. El guión, escrito por David Hare, es una adaptación de la novela de Michael Cunningham.
Nicole Kidman encarna a Virginia Woolf en 1923, mientras escribía Mrs. Dalloway; Julianne Moore es una esposa infeliz que lee el libro en el año 1951, y Meryl Streep interpreta a una editora homosexual neoyorquina: una Mrs. Dalloway moderna que cuida de un amigo escritor en etapas avanzadas del sida y ha decidido prepararle una fiesta.

El largometraje se estrenó en Los Ángeles y Nueva York el 25 de diciembre de 2002. Recibió diversos premios internacionales, incluyendo el Oscar a la mejor actriz para Nicole Kidman.


Documentación:

®Rafael Alberti (Ampliación)

Autor prolífico, las numerosas obras de Alberti ofrecen un itinerario en el que cultiva diversas tendencias estéticas.

Evolución poética

Las fases más importantes de su creación son las siguientes:
  • Neopopularismo: En esta etapa inicial, influido por los cancioneros de los siglos XV y XVI, recrea la lírica tradicional y la poesía clásica. Marinero en tierra (1925) se centra en el tema del mar, símbolo del paraíso perdido de la infancia y de la adolescencia.
  • Barroquismo y vanguardias: los poemas de Cal y canto (1929) son el fruto de una breve etapa influida por Góngora y por las vanguardias, en la que entran los inventos y las preferencias de la ciudad moderna y el absurdo.
  • Surrealismo: Sobre los ángeles (1929) y Sermones y moradas (1934) expresan la angustia y la desolación causadas por una profunda crisis espiritual. En estos poemarios se presenta un alma acosada por fuerzas misteriosas y negativas. Se trata de una poesía compleja, caracterizada por la irracionalidad de las imágenes.
  • Poesía social y política: comprende las obras que manifiestan los intereses sociales y políticos del poeta: su apuesta por la revolución, sus ataques al capitalismo, la defensa de los oprimidos. También incluye la poesía de urgencia creada durante la Guerra Civil e incluida en libros como El poeta en la calle (1935) y De un momento a otro: poesía historia (1937).
  • Poesía del exilio: la añoranza de la patria, la nostalgia por los bienes perdidos y la situación del desterrado predominan a partir del exilio, como se observa en Retorno de lo vivo lejano (1952). En A la pintura (1948), considerada la obra maestra de esta etapa, se unen esos temas con la evocación y exaltación de las obras de los grandes creadores, de los elementos y de las técnicas pictóricas.
En sus últimos libros reflexiona sobre el mundo que lo rodea, el erotismo, el placer de vivir, el paso del tiempo.

Estilo y métrica

el estilo de Alberti refleja la diversidad de su obra: desde la sencillez de la poesía neopopular (en la que predominan las estructuras nominales) y social, hasta el artificio y la complejidad de la poesía barroca y vanguardista. Se han destacado algunos rasgos generales: la tendencia a las repeticiones y los paralelismos; la importancia de las expresiones sensoriales (sobre todo, formas y colores) y la creación de imágenes, especialmente las surrealistas.
Respecto de la métrica, Alberti emplea formas tradicionales, tanto de tipo popular (coplas, seguidillas, romances, estrofas de métrica irregular con rima asonante... y predominio del verso octosílabo) como cultas (preferencia por el soneto), y también el verso libre, que presenta diversas variedades.



Bibliografía

  • Apuntes de clase

viernes, 8 de abril de 2016

®Vicente Aleixandre (Ampliación)

En la poesía de Aleixandre se ha visto, pese a su diversidad temática, un pensamiento común: la unidad amorosa del mundo en sus distintas manifestaciones: la naturaleza, los animales, los objetos, los astros; el ser humano se integra, se funde con todo lo creado en un deseo de perfección y trascendencia.

Evolución poética

La poesía de Aleixandre se ha clasificado en tres grandes etapas:
  • Primera etapa: aparte del inicial Ámbito (1928), que se inscribe en el estilo de la poesía pura, comprende los poemas en prosa de Espadas como labios (1932), Pasión de la tierra (1935), La destrucción o el amor (1935), Mundo a solas (escrito entre 1934 y 1936). En este periodo la influencia surrealista se advierte tanto en libertad expresiva como en el deseo de liberación personal, el anisa de la vida y la rebeldía contra las limitaciones humanas y sociales. Aparecen desarrollados ya los principales temas de la lírica del autor: la exaltación de la naturaleza, el amor y el erotismo, y la muerte. En La destrucción o el amor sobresale la presencia del mundo vegetal y animal en el tema de la integración amorosa del hombre con el universo. El poeta insta también a la fusión amorosa plena entre los amantes, que implica la destrucción, la muerte, el vivir transformado en el otro.
  • Segunda etapa: corresponde a Historia del corazón (1954), Los encuentros (1958), En un vasto dominio (1962) y Retratos con nombre (1965). En estas obras se produce un cambio notable: aparece el ser humano como sujeto histórico, la limitación del paso del tiempo, la solidaridad; se incorporan retratos de personajes y realidades situadas en tiempo y espacios concretos.
  • Última etapa: abarco Poemas de la consumación (1968) y Diálogos del conocimiento (1974). Estos títulos incorporan el tema de la vejez (contrapuesta a la vida, la juventud), encaminada hacia la muerte, así como las reflexiones sobre el conocer (el proceso, la juventud) y el saber (la vejez, la muerte).

Estilo y métrica

Algunos rasgos estilísticos de la obra de Aleixandre son el uso de la conjunción o con valor identificativo, el empleo de la negación en la mención de cualidades, las repeticiones y los paralelismos, las imágenes y comparaciones (que establecen una identificación con elementos de la naturaleza), y la enumeración de palabras que designan elementos del mundo: seres, objetos,sensaciones.
En sus obras surrealistas predomina una expresión que se aproxima al irracionalismo, a la incongruencia, sobre todo en las imágenes visionarias de Pasión de la tierra y Espada como labios.
Respecto de la métrica predomina el verso libre, que tiende al versículo, con versos de diferentes medidas.


Bibliografía

  • Apuntes de clase


jueves, 7 de abril de 2016

®Virginia Woolf

Virginia Woolf, de nacimiento Adeline Virginia Stephen, nació el 25 de enero de 1882 en Londres (Inglaterra) y murió el 28 de marzo de 1941 en Sussex Oriental (Inglaterra). Fue una novelista, ensayista, escritora de cartas, editora, feminista y cuentista británica, considerada una de las más destacadas figuras del modernismo literario del siglo XX.

Hija de Sir Leslie Stephen, distinguido crítico e historiador, Virginia Woolf creció en un ambiente frecuentado por literatos, artistas e intelectuales.

En 1905, al morir su padre, Virginia y sus hermanos abandonaron el elegante barrio en el que vivían y se trasladaron al bohemio barrio de Bloomsbury, que dio nombre a un extravagante grupo de poetas, novelistas y pintores que se formó a su alrededor y que estaba integrado, entre otros, por T.S. Eliot, Bertrand Russell, Vita Sackville-Wets y el escritor Leonard Woolf, que el 10 de agosto de 1912 se convertiría en su marido. Cinco años después crearían la editorial Hogarth.

En sus primeras obras, Fin de viaje (1915), Noche y día (1919) y El cuarto de Jacob (1922), aparece expuesta su intención de llevar las novelas a algo más que a una mera narración.

En sus siguientes trabajos, La señora Dalloway (1925) y Al faro (1927), consigue expresar los sentimientos interiores de los personajes, y grandes efectos psicológicos por medio de imágenes, metáforas y símbolos.

La señora Dalloway, es la primera de las novelas con que Virginia Woolf revolucionó la narrativa de su tiempo, relata un día en la vida londinense de Clarissa, una dama de alta alcurnia casada con un diputado conservador y madre de una adolescente.
La historia comienza una soleada mañana de 1923 y termina es a misma noche, cuando empiezan a retirarse los invitados de una fiesta que se celebra en la mansión de los Dalloway. Aunque en el curso del día suceda un hecho trágico -el suicidio de un joven que volvió de la guerra con la mente perturbada-, lo verdaderamente esencial de la obra estriba en que los hechos están narrados desde la mente de los personajes, con un lenguaje capaz de dibujar los meandros y ritmos escurridizos de la conciencia y de expresar la condición de la mujer de un modo a la vez íntimo y objetivo.

Casi ochenta años después de su aparición, La señora Dalloway conserva intactas la oscura belleza y la originalidad que le permitieron ingresar en la restringida familia de los clásicos del siglo XX.


Documentación:

®Gerardo Diego (Ampliación)

Biografía:

Gerardo Diego Cendoya. (Santander, 3 de octubre
de 1896-Madrid, 8 de julio de 1987). Poeta español miembro de la Generación del 27.
Estudia Letras en la Universidad de Deusto, aunque se licencia en la Universidad de Madrid. En 1920 obtiene la plaza de Catedrático de Lengua y Literatura e imparte clases como profesor de instituto en distintas ciudades españolas, como Soria, Santander, Gijón o Madrid.
Su actividad literaria comienza a una edad muy temprana, publicando en 1918 su primera obra, el cuento La caja del abuelo, en El Diario Montañés. Durante estos primeros años colabora en distintas publicaciones, como la Revista Grial, la Revista Castellana y diversas revistas vanguardistas - Grecia, Reflector o Cervantes. Su primer libro de poesías, El romancero de la novia, ve la luz en 1920.
Durante su estancia en Gijón mantiene una gran actividad literaria, fundando las revistas Carmen y Lola y manteniendo contactos con el resto de los integrantes de la Generación del 27. Este grupo de poetas se da a conocer tras la publicación en 1932 de su antología Poesía española: 1915-1931.
Durante los años de posguerra Gerardo Diego continúa con su actividad poética con obras como Ángeles de Compostela, Alondra de verdad o Romances.
Durante los siguientes años el poeta mantiene su intensa actividad, publicando nuevos libros, viajando y recibiendo numerosos homenajes y premios. En 1962 obtiene el Calderón de la Barca por su retablo escénico El cerezo y la palmera, su incursión en el teatro.
El gran reconocimiento del autor llega en 1979 con la concesión del Premio Miguel de Cervantes, que comparte con Jorge Luis Borges.
La producción literaria de Gerardo Diego se caracteriza por su extensión, y por su variedad estética y temática. Él mismo clasificó su obra en poesía absoluta -la vanguardista- y poesía relativa- la de tipo tradicional-. Diego cultivó, compaginándolas, estas dos modalidades y, en algunos casos, las obras fueron ampliadas hasta su edición definitiva.

Poesía absoluta

En sus inicios, cultivó el ultraísmo, en Evasión y, sobre todo, el creacionismo, en Imagen (1922, cuya primera parte está formada por los poemas de Evasión) y Manual de espumas (1924), el más relevante de sus libros, en el que se observa la influencia de la pintura cubista, especialmente la de Juan Gris.
De la búsqueda de una nueva expresión poética, en la que sobresale el afán de experimentación y juego, surge textos en los que la sucesión de las imágenes y las relaciones entre ellas crean una realidad poética ajena a lo real, arbitraria, con la que pretende provocar una emoción "distinta en cada hombre".
Fábula de Equis y Zeda (síntesis de clasicismo y vanguardia), Poemas adrede (ambos de 1932) y Biografía incompleta (1953, ampliada en 1967), continúan el fervor por la imagen, aunque los poemas se hacen más extensos.

Poesía relativa

En esta poesía Gerardo Diego fusiona el clasicismo y la vanguardia. Se inicia con Versus humanos (1925) y entre sus libros más valorados se encuentran Ángeles de Compostela (1940) y Alondra de verdad (1941).
En ellos aparecen temas, algunos ya tratados, que continuará en libros posteriores: el amor (Amazona, 1951; Amor solo, 1951), los paisajes (Paisaje con figuras, 1956; Soria sucedida, 1974, ampliación de Soria, 1923), los toros (La suerte o la muerte, 1963), la música (Nocturnos de Chopin, 1963), la fe religiosa.
Versos divinos (1971) reúne su poesía específicamente religiosa y católica, que se hallaba dispersa, aunque encontramos poemas de contenido espiritual en otros libros del poeta.

Estilo y métrica

En los escritores creacionistas de Diego sobresalen rasgos propios de esta estética: las imágenes sorprendentes, la supresión de los signos de puntuación y los aspectos visuales. en su poesía relativa incorpora recursos vanguardistas, como la inclusión de términos de formas geométricas y, sobre todo, la originalidad y la complejidad de las metáforas.

Se ha destacado su maestría en el empleo de formas clásicas: sonetos, romances, décimas, coplas, liras; versos octosílabos y endecasílabos. En su poesía vanguardista usa el verso libre e inventa nuevas formas, que con frecuencia conservan la rima, aunque a veces incluye moldes clásicos.


Bibliografía:





jueves, 17 de marzo de 2016

®Leonardo DiCaprio y Mark Ruffalo (ampliación de Shutter Island)

Leonardo DiCaprio.
Nació en Los Ángeles, el 11 de noviembre de 1974. Es un actor y productor de cine, que ha recibido numerosos premios, entre ellos: el Oscar al Mejor Actor por su actuación en El renacido, un premio BAFTA como Mejor Actor en El renacido, tres Globos de Oro al mejor actor en drama por su actuación en El aviador, en 2005, y El renacido, en 2016, y un Globo de Oro al mejor actor en comedia o musical por El lobo de Wall Street, en 2014.
Los mejores papeles representados por DiCaprio han sido en las películas Django desencadenado, Origen, Infiltrados, Titanic, Shutter Island, El lobo de Wall Street, Diamantes de sangre, El gran Gatsby, El renacido y El hombre de la máscara de hierro, entre otras.

Mark Ruffalo.
Nació en Kenosha, Wisconsin, el 22 de noviembre de 1967. Es un actor de cine, productor, escritor y cineasta, que cuenta con tres nominaciones al Óscar.
Los mejores papeles representados por Ruffalo han sido en las películas Mi vida sin mí, Los chicos están bien, Ojalá fuera cierto, Puedes contar conmigo, Cabalga con el diablo, Daño colateral, Shutter Island y Zodiaco, entre otras.



Documentación:

miércoles, 9 de marzo de 2016

®Ramón María del Valle-Inclán

Ramón Valle y Peña (Villanueva de Arosa, 28 de octubre de 1866-Santiago de Compostela, 5 de enero de1936), también conocido como Ramón del Valle-Inclán o Ramón María del Valle-Inclán, fue un dramaturgo, poeta y novelista español, que formó parte de la corriente literaria denominada modernismo en España y se encuentra próximo, en sus últimas obras, a la denominada generación del 98. Se le considera uno de los autores clave de la literatura española del siglo XX.

Este escritor consiguió la extraordinaria hazaña de ser un maestro indiscutible del estilo modernista, que utiliza en sus primeras novelas Femeninas (1895) y Epitalamio (1897), así como el inventor de una nueva técnica y estilo, el esperpento, que utiliza en Luces de bohemia (1924), la trilogía Martes de Carnaval (1930) y en Divinas palabras (1920), entre otras obras.
No es posible encontrar dos planteamientos estéticos y técnicos más opuestos, pues si el modernismo se caracteriza por la descripción de la belleza y del erotismo, despreocupado del mensaje de fondo, el esperpento se caracteriza por una detallada e incluso grotesca deformación de una realidad desagradable que se critica, como siempre en este autor, con un fuerte contenido erótico.

Muchas obras de Valle fueron llevadas al cine, a la televisión y a la ópera.


®Luces de bohemia (ampliación)

El clásico de la literatura española de Valle-Inclán, Luces de Bohemia fue llevado a la gran pantalla por Miguel Ángel Díez en 1985.
El argumento es el mismo que el de la obra teatral: Max Estrella, poeta derrumbado por la ceguera y el hambre, ha muerto. Al velatorio acude su amigo y lazarillo Don Latino de Híspalis que es acusado por la hija de la muerte de su padre.
Los personajes fueron interpretados por:
Francisco Rabal: Max Estrella (protagonista).
Agustín González: Don Latino.
Berta Riaza: Madame Collet (mujer de Max).
Azucena De La Fuente: Claudinita (hija de Max).
Fernando Fernán Gómez: Ministro.
José Vivó:  Zaratustra.
Miguel Rellán: Don Gay.

El vídeo siguiente es la escena de la novela en la que Max Estrella y su acompañante Don Latino se encuentran con dos prostitutas.


Documentación:

viernes, 4 de marzo de 2016

®Literatura: El teatro neorrealista

En los años de la transición aparece una nueva promoción de dramaturgos, denominada "generación del 82" o "generación de la transición". Estos escritores poseían un importante conocimiento y práctica de la profesión teatral consecuencia de su paso por el teatro independiente o el universitario; entre ellos se encuentran autores como José Sanchis Sinisterra, José Luis Alonso de Santos, Fermín Cabal e Ignacio Amestoy.
Los rasgos más destacados de la producción dramática de este grupo de autores son los siguientes:
  • Una actitud realista, ya que tanto los personajes como las situaciones presentadas están próximas a lo contemporáneo.
  • Las obras entroncan con la tradición teatral española, recuperando en ocasiones elementos del sainete y del vodevil, y están alejadas del teatro de vanguardia.
  • Hay un interés especial por los personajes no integrados, generalmente fracasados, y son frecuentes los marginados, ligados a la pequeña delincuencia y a la drogadicción.
  • Expresan una ruptura de la moral tradicional.
  • Frecuentemente se utilizan el humor y la ironía.
  • Un recurso habitual es la metateatralidad.


Bibliografía:

®Literatura: Los simbolistas

Conocidos como "nuevos autores", o agrupados en el "nuevo teatro", estos dramaturgos se contraponen a la estética realista con un simbolismo que les sirve para referirse a un ámbito universal.
El "nuevo teatro" se caracteriza por un acentuado carácter vanguardista, un marcado pesimismo y el uso frecuente de la simbología animal.
en las obras de "nuevo teatro" aparece recurrentemente el tema del poder opresor, así como elementos provocadores relacionados con la sexualidad, un lenguaje escatológico y agresivo, y la violencia física y verbal.

José Ruibal

El gallego se vale del símbolo para exponer, básicamente, asuntos políticos. Sus acotaciones piden cuestiones imposibles, y emplean un lenguaje rico y barroco plagado de recursos estilísticos e imágenes dislocadas.
En "La máquina de pedir" (1969), un enorme pulpo que genera petroleo se presenta acompañado por su esposa, odiada por ricos y pobres, los cuales aparecen en sendas pantallas en el escenario. Los ricos propician la invención de una máquina de pedir que ocasionará la extinción de los pobres y el aburrimiento de los primeros por la falta de desniveles sociales.

Miguel Romero Esteo

Los dramas del cordobés suelen tener una duración larga, y su lenguaje constituye una estilización de la modalidad oral, incorporando cultismos, neologismos, retruécanos y extrañas búsquedas fónicas que se apoyan en la formación filológica y musical del autor.
La representación de "Pontifical" (1966) duraría unas ocho horas. Estas obra aborda el tema de la perpetuación del poder a través de un zoológico, donde los dominadores ejercen su autoridad sobre barrenderos y limpiadores.

Luis Riaza

Las obras poseen una clara intención desmitificadora de la sociedad, de la literatura y del mismo teatro. En ellas se percibe la influencia del teatro. En ellas se percibe la influencia del teatro de la crueldad. La represión , la moral, el poder y la censura son tratados crítica e irónicamente.
la acción de "Retrato de dama con perrito" (1976) transcurre en un balneario repleto de símbolos de un grandioso pasado perdido. Este espacio pretende ser recuperado por una vieja dama, que se acompaña del "artistas adolescente", de dos criados y de una vieja dama, que invaden el escenario. La mujer acaba estrangulada por su criado Benito, quien ocupa su sillón.



Bibliografía:


  • Apuntes de clase.

martes, 1 de marzo de 2016

®Pessoa (Ampliación)

Fernando António Nogueira Pessoa, más conocido como Fernando Pessoa, nació el 13 de Junio de 1888 y murió el 30 de Noviembre de 1935 en Lisboa.
Fue un poeta y escritor portugués, considerado uno de los más brillantes e importantes de la literatura mundial y, en particular, de la lengua portuguesa. 
Introdujo en la literatura europea el modernismo portugués, pero que sólo alcanzó reconocimiento tras su muerte.

Cuando cumple cinco años muere su padre de tuberculosis, y poco después su madre contrae matrimonio con el comandante Joao Miguel Rosa. Durante su infancia viajó a Durban, Sudáfrica, donde su padrastro era cónsul. Estudió en la Universidad de Capetow (África del Sur) y en la de Lisboa. Su primer poema, "À miña Querida Mamã", data de 1895.

Creó una imprenta entre otros negocios, todos fracasados, e intenta comenzar una carrera como bibliotecario, pero no es admitido.
Aprendió inglés y trabajó como traductor; publicó sus primeros poemas en inglés. Es uno de los creadores del movimiento literario Orfeu, introductor del Futurismo en Portugal.
Tuvo tres vicios en vida: el aguardiente, cuatro cajetillas de tabaco diarias y vestir los trajes del mejor sastre de la ciudad. Sólo tuvo una novia, Ofélia Queirós.

Publicó un libro, Mensaje, al ganar el segundo premio de un concurso literario. El resto, 27.543 páginas, las guardó en un baúl de madera. Publicó poesía en portugués un año antes de morir cuando apareció una colección de poemas firmados con diferentes nombres. Tras su muerte han aparecido sus Obras Completas publicadas con diferentes nombres. I-Poesías, 1942, de Fernando Pessoa; II-Poesías, 1944, de Alvaro de Campos; III-Poemas, 1946, de Alberto Caeiro; IV-Odas, 1946, de Ricardo Reis; V-Mensajes, 1945; VI-Poemas dramáticos; y VII y VIII-Poesías inéditas.

Además es de destacar El libro del desasosiego (1982), que inició el poeta en 1912 y que se compone de aforismos, divagaciones y fragmentos de su diario.
Fernando Pessoa falleció a causa de una cirrosis hepática, el 30 de noviembre de 1935 en Lisboa.


Documentación:

miércoles, 24 de febrero de 2016

®Literatura: El teatro de posguerra

Después de la Guerra Civil no se produjo un teatro bélico; continuó la dramaturgia anterior a la contienda y predominó un teatro de evasión.

Rasgos Generales:

El teatro de posguerra cumplió dos funciones básicas: entretener al público que buscaba el esparcimiento, y transmitir ideología.
La transmisión de ideología siguió tres vías:
  • Negación de las aportaciones más relevantes de la preguerra, como el teatro de Valle y Lorca.
  • Estreno de obras que exaltaban los valores de los vencedores; "Por la Virgen capitana" o "La Santa Hermandad".
  • Programación de autores clásicos, como referentes de épocas gloriosas: "Las mocedades del Cid", "Don Juan Tenorio" o "El castigo sin venganza".
En la posguerra, el Estado y la Iglesia establecieron un férreo control sobre las obras nuevas y los dramaturgos.Este fenómeno desarrolló la consiguiente autocensura en los dramaturgos. Otra modalidad de censura la ejerció la crítica, que solía funcionar como ideología, aconsejando y advirtiendo. A pesar de ellos, la actividad teatral de posguerra fue muy abundante, aunque mediocre.

La comedia burguesa:

Esta tendencia dramática, evolución de la alta comedia, cumplió la función de entretener al público y educar mediante el elogio de la virtud.
La comedia burguesa se caracteriza por la perfecta construcción de las obras y por su intrascendencia, con dosis de humor, ternura y amabilidad.
Las obras suelen dividirse en tres actos, poseen minuciosas acotaciones y sus parlamentos muestran cualidades estilísticas. Sobresale el tema del amor para exaltar la familia, el matrimonio, el hogar... Ideológicamente, suele hacer gala de neutralidad, con finales moralizadores. Sus personajes, como la mayor parte de su público, pertenece a la burguesía.
 Autores y obras de la comedia burguesa:
  • Jacinto Benavente: "La última carta", "La vida en verso", "Ha llegado don Juan"...
  • José Mª Pemán: "Hay siete pecados", "Yo no he venido a traer la paz", "La verdad"...
  • Juan Ignacio Luca: "Don José, Pepe y Pepito", "¿Donde vas, Alfosno XII?", "Dos mujeres a las nueve"...
  • Joaquín Calvo Sotelo: "La vida inmóvil", "Cuando llegue la noche", "Historia de una casa"...
  • José López Rubio: "Celos del aire", "La venda en los ojos"...

Bibliografía:

viernes, 19 de febrero de 2016

®El teatro en el exilio en Literatura

Desarrollado especialmente en México y Argentina desde los años de posguerra, presenta diferencias estéticas con el cultivado en España. En este teatro fue relevante la tarea escénica y didáctica de directores (Álvaro Custodio, Rivas Cheriff, Martínez Sierra) y de intérpretes (Margarita Xirgu creó un centro de formación de actores en Montevideo).

Rafael Alberti
Antes y durante la Guerra Civil, Alberti cultivó un teatro político que continuó en el exilio: Fermín Galán (1931), De un momento a otro (1938) y Noche de guerra en el Museo del Prado (1956); pero gran parte de su obra se caracteriza por la presencia de elementos poéticos, desde el lenguaje y los símbolos empleados, hasta la incorporación de pequeñas estrofas: El trébol florido (1940), La Gallarda (1944, enteramente en verso) y El adefesio (1944).


Max Aub (1903-1972)
Comenzó su tarea dramática en el ámbito de la farsa, dominado por la estética vanguardista: El desconfiado prodigioso (1924), Espejo de avaricia (1927) y Jácara del avaro (1935). Este teatro,ligado al entremés y caracterizado por su brevedad, emplea personajes corales.

Alejandro Casona
Las obras en el exilio de Alejandro Casona (1903-1965) se diferencian poco de las estrenadas hasta 1939, Emparentan con la comedia burguesa de posguerra por la perfecta disposición de los elementos dramáticos y han sido calificadas de teatro de evasión, alejado de las circunstancias sociohistóricas. 





Información:
Libro de Texto de Lengua y Literatura

miércoles, 17 de febrero de 2016

®Dámaso Alonso (ampliación)

OBRA POÉTICA

Dámaso Alonso no ha sido un poeta tan prolífico como sus compañeros de generación. En su primera época pretende superar las fórmulas del Modernismo, de ruptura con lo establecido. Es la etapa de su poesía pura de ecos juanramonianos: Poemas puros, poemillas de la ciudad (1921).
Pero va avanzando hacia una poesía de raíz existencial, conmovido por los acontecimientos de la Guerra Civil española (1936-1939): "Los hijos de la ira" (1944), "Hombre y Dios" (1955) y "Oscura noticia" (1959), obras en las que es visible la influencia de la obra de Joyce, de la que fue traductor. A esta etapa también pertenece la mayor parte de su labor didáctica e investigadora. En su última etapa adquiere su poesía un carácter conciliador.

"Poemas Puros y Poemillas de la ciudad" (1921): En esta obra ya se vislumbra el “realismo léxico”, su principal aportación literaria. Son delicados poemas de juventud en el estilo de Juan Ramón Jiménez (1881-1958), de diáfana belleza y de evasión pasional hacia el intelecto: “Por las praderas hondas, avizor y azoradas / –¡oh ciervas en huida!– las ideas escapan”.

"Hijos de la ira" (1944): Poesía de raíz existencial que respira el clima de la posguerra. Este libro es un grito de angustia y cólera: un estallido de rabia impotente ante la propia miseria y ante el dolor del mundo circundante. Aquí rompe el poeta con las formas clásicas, respetadas por el profesor, y penetra en la corriente surrealista: Muerte, terror, angustia, fastidio y oración se mezclan.
Al final, su visión de la vida no es trágica, pues se vuelve a Dios, en un sueño de niño en el regazo maternal.

"Hombre y Dios" (1958): Visión más optimista y conciliadora. Diálogo tierno con el Creador, que recuerda la devoción ingenua del colegio, de la lejana religiosidad infantil. El tema es “la soledad de Dios”. El poeta pregunta a Dios sobre las cuestiones que no entiende, porque al hombre de las máquinas moderno no se le puede preguntar. Es un libro denso, lleno de emoción y pensamiento, angustiado. Es una obra excelente y profunda.

"Oscura noticia" (1959):
 Colección de poemas de varias épocas, escritos por el profesor, mejor dicho por el poeta a hurtadillas del profesor. La factura y apariencia es impecable, pero sólo la apariencia. En este libro ya se observa que la emoción intenta hacer estallar a la forma. El profesor frena al poeta: “Oh tesoro claroscuro del durmiente. / Derribas las lindes, fluyó el sueño. / Sólo el espacio”.
Bajo el sereno mirar del humanista erudito late un mundo de insatisfacciones y torturas, que adivinamos en estas poesías de equilibrio barroco.

Documentación: